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Festival del vino 2016 - D. O. Somontano
Luis Alcázar
De la parrilla a las brasas
Luis Alcázar (Madrid, 1974), es Licenciado en Ciencias de la Información por la Universidad Complutense de Madrid, Experto Universitario en Animación Audiovisual por la Universidad Carlos III y graduado con Mención de Honor en el MBA de Empresas de Televisión de la Universidad de Salamanca. Se ha dedicado profesionalmente al sector audiovisual desde 1996, fundamentalmente como realizador o creador de formatos. Desde TVE hasta Real Madrid Televisión, pasando por CNN+ y Neox, entre otras, son las televisiones que han contado con su trabajo.

En sus créditos y reconocimientos más recientes se encuentran ser realizador del programa de prime time en Telecinco “La Noria”, subdirector de “Yo soy Madrid” (Premio “Derechos de la Infancia y Periodismo” a formato televisivo en su VI edición), o haber participado en el desarrollo de formatos como los programas de prime time de La 1 de TVE “Entrevista a la carta” y “Con voz y voto” de Telemadrid.

Twitter: @luisalcazar_
Luis Alcázar
Últimos textos publicados
"El guionista debe pensar en los efectos visuales desde el inicio"
Juanma Nogales y Charly Puchol, que suman cuatro nominaciones a los premios Goya, describieron cómo toda producción audiovisual precisa casi obligatoriamente de efectos digitales.

¿Qué son los efectos visuales?
Matadero Madrid acogió el martes 24 de marzo el curso/conferencia ‘Todo lo que guionistas y directores deben saber sobre los efectos digitales (VFX) en cine y televisión’, organizado por DAMA y Bloguionistas. Para ello Joaquín Górriz moderó las intervenciones de Juanma Nogales, supervisor de efectos visuales de Twin Pines (que ha participado en las películas Post tenebras lux y Extinción, o en la serie televisiva Ángel o demonio) y Charly Puchol, productor de efectos digitales en User T38 (responsable de los efectos en la que apunta a convertirse en serie de culto El Ministerio del Tiempo o en la aún no estrenada coproducción entre BBC y Atresmedia Refugiados).

Juanma Nogales comenzó explicando la definición de efectos visuales: «Todo aquello que el director ha podido concebir y que requiere técnicas no habituales en rodaje, ya sea a través de herramientas físicas o digitales». Precisó que antes existían también las herramientas ópticas (a través de la cámara), pero en la actualidad prácticamente han desaparecido.

¿Qué debería saber un guionista?
Nogales aseguró que el guionista debería conocer las cuatro grandes categorías básicas de efectos: los basados en material fotográfico, los basados en material generado, los entornos y los personajes.

Los efectos basados en material fotográfico son, en opinión de los dos expertos, los que mejores resultados ofrecen. Para ellos emplear elementos rodados (o incluso fotografiados) y jugar con dichos elementos en la composición por capas produce los efectos más creíbles y de mayor calidad. Los elementos generados, sin embargo, pueden ser más problemáticos y arriesgados.

Hoy en día los entornos creados por efectos están muy de moda. Precisaron que esta tendencia se debía, sobre todo, a las grandes posibilidades que ofrecía al guionista a la hora de ubicar las acciones, pero sobre todo por la gran versatilidad y abaratamiento que proporciona al productor: «¿Por qué viajar con todo el equipo de rodaje a un lugar si lo puedes generar?».

La cuarta categoría se refiere a los personajes basados en efectos visuales. No tanto porque estén generados íntegramente de forma artificial, sino porque sus características exijan que no puedan ser rodados tal cual. Pusieron como ejemplos los casos de las películas Autómata y Eva.


Lo que no se ve
Pero también mencionaron la importancia de diferenciar los efectos que se ven de los que no se ven. En Estados Unidos los premios que otorga la Asociación de Efectos Visuales se dividen en múltiples categorías, diferenciando las películas «de efectos especiales» y las películas «que no son de efectos especiales»: aquéllas que emplean efectos visuales de apoyo. Por ejemplo, Charly Puchol nombró la escena del quinto capítulo de El Ministerio del Tiempo donde los protagonistas admiran el Guernica, de Picasso. No parece un efecto digital, pero en realidad, por aliviar los trámites de permisos de rodaje y movimiento técnico, el plano está rodado en un plató con un croma. Las escenas finales de la película Kamikaze, donde trabajó Twin Pines, el avión que aparece omnipresente en el aeródromo nunca estuvo allí. Son los efectos invisibles y, sin embargo, tan necesarios que deben aparecer en el guion desde el primer momento.

El estado de los efectos visuales en España
«Ha ganado terreno: antes se veía como el enemigo que roba tiempo de producción. Ahora es un aliado». Puchol definía así la evolución que ha experimentado la figura del productor de efectos digitales. También argumentó el gran avance que habían experimentado los equipos y los programas empleados, redundando además en el abaratamiento en la inversión necesaria.

Este avance, sin embargo, exige una formación constante. «Yo no paro de formarme. Estoy apuntado a un curso dentro de dos meses», afirmó Nogales. En este sentido también estuvieron de acuerdo en que se había mejorado. Ahora existe un flujo sólido entre los centros de formación y el sector, aunque el propio Nogales confesó que él era autodidacta.

¿Y la relación con los guionistas? Charly Puchol elogió la postura de los creadores, que habían empezado a tomar conciencia de que los responsables de efectos debían ser consultados desde las más tempranas fases de escritura del guion. Por ejemplo, Nacho Vigalondo, con quien trabajaron en Open Windows para diseñar toda la interfaz informática empleada por los protagonistas y que da sentido al film; y Javier Olivares (creador y guionista) y Marc Vigil (coordinador de dirección) en El Ministerio del Tiempo.

La asignatura pendiente es el presupuesto, aunque poco a poco también mejora. En cualquier caso, se deben reconocer las limitaciones de nuestro país. Se hacen muy buenos efectos, pero los recursos de tiempo y dinero no permiten hoy por hoy producciones de gran envergadura: «Estamos a un nivel muy bueno, pero no podríamos hacer algo como 300», decía Puchol. «Estamos muy lejos de poder hacer esa cantidad de efectos digitales».
jueves, 26 de marzo de 2015.
 
Fernando Colomo: “Nunca me planteé hacer comedia”
El director desvela sus secretos cinematográficos
La entidad para gestión de derechos de propiedad intelectual DAMA, en colaboración con Bloguionistas, presentó la conferencia en la que el director por antonomasia de la comedia madrileña confesaba que llegó al género casi por error, además de adelantar su último proyecto.

“¿Por qué se ríen, Fernando?” Matadero Madrid acogió la tarde del martes 10 de marzo la conferencia “El efecto Colomo o cómo escribir y dirigir comedia en un país como éste”, convocada por DAMA. El veterano director Fernando Colomo, siempre con una sonrisa en los labios, comenzó bien pronto a desnudar su carrera ante los presentes: “Nunca me planteé hacer comedia”. Citó que, en su juventud, sus referentes eran Godard, Truffaut, Rohmer, Antonioni. Quizá incluso Bergman. Pero nunca Billy Wilder. “Fue cuando me colocaron en comedia cuando empecé a buscar maestros del género”. El desfile de anécdotas que preñaron la conferencia se inició entonces, cómo no, rememorando la presentación de su primer largometraje. Durante la proyección de ‘Tigres de papel’ (1977) en el Festival de San Sebastián, una película con vocación de drama, el público comenzó a reír a carcajadas. Carmen Maura, su protagonista, palideció y le preguntó al director: “¿Por qué se ríen, Fernando?”. La respuesta de Colomo fue: “Tú calla y decimos que es una comedia”. Las reglas para hacer comedia: “La vida alegre” ¿Cuándo quiso realmente hacer comedia? “’El caballero del dragón’ me arruinó. La única forma de pagar esto era hacer una película para ganar dinero”. Y esa película fue ‘La vida alegre’, de 1987. Fernando Colomo sabía que este género era comercial, y necesitaba desesperadamente hacer taquilla. Y, efectivamente, la hizo.

La primera regla de la comedia, igual que en cualquier otro género, es echar mano de experiencias reales. “Coges las cosas que ves alrededor. Cualquier escritor hace eso”. En ‘La vida alegre’, por ejemplo, se basó en su hermana. “Las cosas que conoces de primera mano dan verdad. La gente conecta y la historia funciona”.

La segunda regla es jugar con lo inesperado. “Cuando el espectador se espera algo, no se ríe. Cuando encuentra algo inesperado, ríe”. Comentó por ejemplo el famoso gag en el que el personaje de Antonio Resines tira por la puerta del coche, para que no lo encuentre su esposa, un zapato, creyéndolo de su amante y que la infidelidad sería descubierta. El público cree que el gag ha terminado cuando, en realidad, la escena continúa al detenerse el automóvil y la amiga que acompaña como pasajera al matrimonio no encuentra uno de sus zapatos.



La tercera regla, el trabajo en equipo. “Hay gags muy preparados y otras cosas que salen al trabajar con los actores”. Para Fernando Colomo, director, productor y actor, la química con el equipo durante la producción es imprescindible. La espontaneidad juega un papel muy importante en sus relatos. “Trato de que haya buen rollo en el rodaje”.

¿Una cuarta regla? Ensayar. Siempre. “Me reservo dos semanas para ensayar antes del rodaje”.

Y aún tuvo un quinto consejo: “Si puedes rodar por orden, hazlo”. En ‘La vida alegre’ el final se rodó en la segunda semana de rodaje, y, según Colomo, se nota: los actores aún no habían interiorizado los personajes y faltaba complicidad.

Su último proyecto: ‘Isla bonita’ Fernando Colomo terminó hablando del film que aún está ultimando. Tanto que todavía no está seguro del título. No sólo porque todo el mundo la llame ‘La isla bonita’ (añadiendo el artículo, como la conocida canción de Madonna), sino porque no quiere que recuerde a la premiada ‘La isla mínima’. Incluso preguntó a los asistentes su opinión sobre qué nombre resultaba más atractivo: ‘Isla bonita’ o ‘Amores aislados’. Aún alberga dudas, y eso que es una historia que nació en paralelo a ‘La línea del cielo’, que dirigió en 1983.

Esta vez Antonio Resines no es el protagonista. El mismo Colomo se encarga del papel principal. Parece lógico ya que, según sus propias palabras: “un 80% soy yo”. El resultado es una película de ficción con un aspecto cercano al documental, en el que los flashbacks no son ni más ni menos que escenas de películas anteriores encajadas perfectamente en el argumento y donde otra vez la espontaneidad es fundamental. “En ‘Isla bonita’ consigo que todos hagamos de actores aunque no lo seamos”. Por este motivo no escribió un guion, sino una escaleta: “Si voy a trabajar con no- actores es mejor no escribir diálogos”.

La pregunta del millón, más que la duda sobre su título o la interpretación, es la siguiente: ¿será una comedia premeditada o fortuita?

jueves, 12 de marzo de 2015.
 
“Estamos cansados de hablar de piratería”
El 5º Foro #InnovaciónAudiovisual busca soluciones
Madrid fue testigo de este intenso debate entre profesionales de la talla del guionista Javier Olivares (‘Isabel’, ‘El ministerio del tiempo’) o Manuel Cristóbal (ganador como productor de cuatro premios Goya). Su conclusión: hay que solucionar algo más que la piratería.

“Pagar o no pagar contenido audiovisual”
Bajo este lema arrancaba en el Centro Universitario Villanueva (Madrid) la convocatoria de febrero del Foro #InnovaciónAudiovisual, su quinta edición, donde se pretendía aclarar la postura de consumidores, autores, distribuidores y reguladores de contenido audiovisual frente a la retribución económica de este negocio. Para ello estaban presentes Javier Olivares (guionista de ‘Isabel’ y creador de ‘Víctor Ros’), Alejandro Touriño (socio de ECIJA Abogados), Manuel Cristóbal (productor, ganador de cuatro Premios Goya), Oriol Solé (fundador de Series.ly) y José Antonio de Luna (socio fundador de Filmin), a quienes moderaba Roger Casas-Alatriste (fundador de la productora El Cañonazo).

“Hacer posible que las personas que hacen esas producciones sean remuneradas”
Manuel Cristóbal expuso sencillamente que, considerando la producción de contenido como una actividad profesional, las personas dedicadas a ella deben cobrar. Para enfatizar su opinión quiso abrir su ponencia con el siguiente vídeo, que recuerda que la industria creativa crea puestos de trabajo reales y genera riqueza para las economías nacionales, beneficios que se ven perjudicados por la distribución ilegal de contenido (que supone la cuarta parte del tráfico de datos en internet a nivel global), la cual desvía ganancias millonarias desde sus legítimos acreedores hacia los bolsillos de los sitios piratas:

Sin embargo fue el primero en declarar que estaba cansado de hablar de piratería para continuar que a la propia industria le quedaba mucho por hacer, como los bonos que en Francia permiten a los jóvenes habituarse a ir a las salas de cine. Pero también admitir que cierto tipo de cine había muerto para las salas de exhibición; que existen nuevas formas de ver contenidos; que se debe redimensionar el negocio al público a quien se dirige; y que, cuando se recurre a la piratería, muchas veces es debido a que la oferta no satisface la demanda, perdiendo esos ingresos potenciales.

“Internet es la gran herramienta para desincentivar que el usuario acuda a la piratería”
Curiosamente fue Oriol Solé, de Series.ly (red social cuyos usuarios publicaban con frecuencia enlaces a contenidos legales e ilegales por igual), quien probó suerte al sugerir modos de alejar el fantasma de la piratería. Se centró en criticar el modelo de emisión de las televisiones lineales tradicionales, ya que los usuarios más jóvenes han dejado de aceptar que los programadores decidan qué ver y la hora a la que se debe ver. Propuso entonces que internet puede y debe ofrecer un modelo legal de consumo adaptado a las nuevas exigencias, con un catálogo lo suficientemente amplio y flexible.

“El tema no es pagar o no, sino cómo articular el pago”
Las intervenciones del guionista Javier Olivares fueron de las más intensas y variadas durante la mesa redonda, abriendo varios frentes de discusión. Apoyó la idea de que el negocio debe admitir que la falta de oferta origina piratería, explicando que él mismo pirateaba aquel contenido que era imposible obtener de otra manera, como series descatalogadas o que retrasaban continuamente su llegada a España.

También sacó a relucir el tema de los tortuosos caminos de la remuneración a los autores. Para él es evidente que se debe pagar por el contenido, eso está fuera de discusión. No obstante destapó facetas que muchas veces quedan ocultas, como la nula repercusión económica que tienen en la actualidad los visionados de contenido en las plataformas digitales a través de los sitios web de las cadenas de televisión. Refiriéndose a la serie ‘Víctor Ros’, denunció: “no me llevo casi nada de la web”. De hecho destacó la penalización que sufren series cuya audiencia tradicional se ve reducida al aumentar los visionados online, como ‘Víctor Ros’, que no va a ser renovada.

“Como autor tengo una batalla en la SGAE” y pasó a criticar la técnica de los operadores de televisión que emiten en las franjas nocturnas música, de la cual poseen los derechos, y así compensar la cuota que deben pagar en concepto de derechos de autor por el resto de su programación a la SGAE. Ante estas situaciones opinaba que existía cierta desprotección, puesto que la clase política no tiene propósito de enmendar el problema. Según él, el político ni sabe ni le importa.

“No tenemos la regulación necesaria”
El abogado Alejandro Touriño confirmó la sentencia sobre la deficiente acción política, traducida en nuestra legislación, que había emitido Javier Olivares: “La normativa que existe es obsoleta, casi a nivel global: no tiene sentido que tengamos normas heredadas del siglo XVIII”.

José Antonio de Luna, de la plataforma digital Filmin, corroboró que la política no ha aportado soluciones en materia de regulación, pero también entonó el mea culpa: “Hemos sido incapaces de adaptarnos a los nuevos tiempos. No ahora, sino desde hace mucho”. La dirección hacia la que apuntaba era la oferta legal: “Se debería conseguir que todo estuviera disponible en internet. Pero los mercados tardan en adaptarse”. En su discurso eximió de responsabilidad al público, al cual muchas veces se ha culpabilizado: “Yo no tengo porqué saber que algo que está en YouTube es ilegal”.

Mucho más que demonizar a la piratería: trabajar por el progreso del sector
Las conclusiones fueron más allá que el simple discurso contra el pirateo. La industria audiovisual es quien debe tomar las riendas de su futuro: mejorar la oferta online legal, tanto en la extensión de su catálogo como en la funcionalidad de las aplicaciones y plataformas digitales que distribuyen contenido; tener en cuenta el consumo a través de nuevas vías y no sólo la audiencia de la televisión tradicional; asegurar los mecanismos de retribución a los creadores (cómo, cuándo, a quién y qué se paga); y reclamar una regulación que entienda las necesidades y problemas reales del negocio de los contenidos.
lunes, 9 de febrero de 2015.
 
 
Multa a Mediaset por emitir contenidos inadecuados
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lunes, 29 de septiembre de 2014.
 
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lunes, 22 de septiembre de 2014.
 
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lunes, 15 de septiembre de 2014.
 
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Qué coreografías. Qué cuerpazos. Y ya. Aquí se va a lo que se va. ¿Alguien tiene dudas sobre Step Up: All In?
martes, 9 de septiembre de 2014.
 
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sábado, 6 de septiembre de 2014.
 
Destino Marrakech
Películas del fin de semana
sábado, 6 de septiembre de 2014.
 
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La animación se reivindica como sector estratégico
viernes, 14 de marzo de 2014.
 
Balance de 2013: un año negativo para la televisión
Descenso de inversión publicitaria, concentración y cierres
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martes, 3 de diciembre de 2013.
 
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jueves, 10 de octubre de 2013.
 
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Ambas cadenas coincidieron con especiales de investigación
miércoles, 2 de octubre de 2013.
 
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martes, 17 de septiembre de 2013.
 
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lunes, 16 de septiembre de 2013.
 
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